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Reseña: Un Lobo es un Lobo, de Michel Folco, Pierre Makyo, Fédérico Nardo y Antoine Quaresma

En la BD -o dentro del cómic europeo para que nos entendamos-, se hace últimamente una cosa tremendamente bien: la adaptación de novelas al formato cómic. Ocurriendo algo curioso además; no siendo estas novelas bestsellers fuera de su país, en formato cómic sí que consiguen más expansión. Y después de leerlas a uno le queda cierto quemazón por dentro y ganas de buscar y leer (como sea) la fuente de donde proviene, por ejemplo, Un Lobo es un Lobo. Pues sí buscas un poco, todos son buenos comentarios y más de uno suelta un ¡Bravo! a los autores por dicha adaptación de la novela de Michel Folco.

Dos volúmenes que Ponent Mon rescata y trae en un único integral donde devorar la historia de principio a fin. De esas historias que sorprenden cayendo casi accidentalmente en mis manos, para llevarme una agradable sorpresa. Sin duda, atraído muy-mucho por los quintillizos malhumorados de la portada. Clodomir, Pepin, Dagobert, Clotilde y… el más alocado de cinco, Carlomagno. Un pequeño adelanto ya incluído en la sinopsis donde se nos promete «un destino de pesadilla esmaltado con períodos a veces brillantes y divertidos». Un cómic que tiende mucho al estilo clásico de la BD: hermosas ilustraciones con colores hermosos durante el día para caer en lo tenue amigo de lo nocturno cuando algo malo va a suceder. Pero Un Lobo es un Lobo no carece de cualidades. Su fuerza radica en la representación súper realista de personajes, animales, lugares y vestimenta… También en la exageración de las expresiones humanas. A veces, la caricatura está cerca, lo que no deja de evocar el humor más exaltado que dicen que rebosa, sobre todo, en la novela.

La trama nos lleva a 1763. Clovis Tricotin es una mujer feliz por dar a luz. Pero no será uno ni dos, sino que parirá un total de cinco hijos, atrayendo la curiosidad de toda la región. Por otro lado, en los alrededores, en el bosque, los lobos son masacrados por los cazadores. En el primer volumen veremos a los niños crecer hasta cierto drama que tiene lugar el año de su séptimo cumpleaños. Un inicio con dibujos potentes e historia interesante, donde Pierre Makyo aborda una fuerte adaptación, traslación de un libro que contaba con más de seiscientas páginas, convirtiendo el cómic en un tema directo haciéndote muy fácil entrar.

Sin saber a donde nos llevan los autores, de algún modo sabemos que tarde o temprano llegaremos a ese trágico destino de la familia Tricotin. Y llega. Y voy a contar algo más por que si no, se me hace imposible avanzar. Se descubre en esta segunda parte a Carlomagno como el megaprota de la trama. Este pequeño pedazo de hombre con ebullición angelical y rebelde, dotado de un encantador atractivo. Los quintillizos quedan huérfanos y son separados. El destino lleva a Carlomagno al castillo de la región. Se abre así un futuro brillante para él. Pero a Carlomagno no le importa. Lo que él quiere es encontrar a sus hermanos y hermanas y es gracias a la complicidad de los animales con los que tiene el don de comunicarse, con los que huirá de ese puesto que los hombres le habían reservado.

Pierre Makyo al guión, Fédérico Nardo al dibujo y Antoine Quaresma a los colores; proponen una conclusión que deja con ganas de más. Una trágica historia que se convierte en aventura. Niños que que no nacen precisamente bajo una estrella. Después de la muerte del padre, es la madre quien cae enferma y los obligan a separarse. El lado rebelde del más pequeño es sin duda lo que seduce al lector. Así como el empeño de volver a reunir a una familia rota.

Os invito a descubrir este excelente guión que tiene lugar a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Racleterre. Con un uso del lenguaje de antaño que refuerza aún más el realismo histórico y aumenta el encanto de la vida de aquellos años. Y un dibujo que es una delicia. Una lectura obligada, una oportunidad para descubrir una historia que parece que en formato novela jamás llegará aquí. Con una máxima en su haber: «Nada es más fuerte que los lazos de sangre».

Reseña: iZombie (Integral), de Chris Roberson, Michael Allred y Laura Allred

Si algo me tuvo entusiasmado desde niño en mis inicios con el género de Terror, desde que con unos cinco añitos viera con mi madre una noche en televisión La Noche de los Muertos Vivientes (1968), de George A. Romero; sin duda, fue el género zombie. De hecho, mi única novela publicada hasta ahora trata el tema de los muertos vivientes. Aunque de una forma muy diferente a lo que propuso-casi-impuso el film 28 días después con sus zombies rápidos e infectados, potentes corredores de los cien metros lisos, por culpa de un virus o infección. Desde entonces, he visto pero también leído mucho. Aunque algunos no lo crean, si buscas, encuentras muy buenas novelas y antologías relatos, títulos no precisamente modernos, algunos incluso bastantes más antiguos que el guión del maestro Romero. Por eso indagué e indagué y leí bastante. Tanto que, el género zombie lo siento hoy en día como un amor del pasado. Del que guardo muy gratos recuerdos pero al que quizás me da miedo volver. No obstante, con dicho tema en cómic sí me atrevo. Son historias cortas, no profundizan mucho, y bueno, seleccionando bien se encuentran cositas realmente molonas.

Fuera de la mejor serie en cómic de todos los tiempos como es Los Muertos Vivientes, de Robert Kirkman (extensa como ella sola, pero con números gloriosos en su haber), precursora de una serie que tiene miles de fans…, y cientos de detractores también; fuera de ella, se van encontrando cositas interesantes hechas con mucho “mimo”. Hoy toca recomendar una serie llamado iZombie que como poco me ha tenido entretenido toda una buena semana de tiempos muertos (nunca mejor dicho) en los que poder degustar una serie al completo ya que ha sido publicado por ECC Ediciones en formato integral. Un volumen más que llevadero y gustoso de leer en cualquier sitio.

Elaborada por el aclamado equipo creativo formado por Chris Roberson, Michael Allred y Laura Allred, iZombie recopila los veintiocho números de la serie original de Vertigo que inspiró la serie televisiva de The CW. Además de incluir un epílogo de Roberson y una sección especial de bocetos de Michael Allred, en iZombie hay algo/mucho detrás. Un trasfondo que se agradece, una historia currada y con algo más labrado que un simple virus atacando a la población. Una trama original. Aunque algunos ya sabemos que proviniendo del sello Vértigo, eso quizás se vuelve normal pues Vertigo suele ser sinónimo de calidad.

iZombie cuenta la vida de Gwen Dylan, una zombie que trabaja como sepulturera en Eugene (Oregón). Es fácil, ¿qué mejor trabajo que ese para tener cerca un suministro de alimentos listo para degustar? Su memoria se va perdiendo con el tiempo y necesita comerse un cerebro al mes más o menos o se convertirá en una de esas criaturas desbocadas de El Amanecer de los Muertos. Sin embargo, cuando come cerebros, también obtiene los recuerdos que vienen con ellos… Y esto mola. Pues estos recuerdos siempre llevarán a un misterio que Gwen tendrá que resolver.

¡Originalidad! Eso pido y eso he obtenido con esta magnífica serie. Casi treinta números que fueron desarrollados entre 2010 y 2012, y que ahora se pueden obtener en un sólo integral. Cierto es que el dibujo en ocasiones deja algo que desear. En mi opinión, es bastante característico y parece hecho adrede así con algún motivo para con la idea de la serie. No obstante, los guiones y el divertimento de cada trama hace que te acostumbres incluso en ocasiones, suavicen ciertos argumentos que se pretenden serios dentro de una serie que para nada lo es. Hay algo más que zombies aquí, fantasmas, vampiros, momias y hombres lobo-terriers. Así. Como suena. Gwen Dylan se va convirtiendo en una especie de detective, una persona muerta que comparte mente con el cerebro devorado el cual si tiene algo pendiente, la inquieta de tal modo hasta resolver dicha inquietud. Resolver el asesinato de Fred, Spot intentando mantener su secreto a salvo, Gwen creyendo saber todo sobre ser un zombie hasta dar con Amon, un ser momificado que la lleva a recorrer el misterioso sendero de la memoria mágica. Traer secretos del Antiguo Egipto al moderno Oregón. Mientras tanto, cazadores de monstruos acechando a sus amigos: Claire, la vampira, y Spot, el lobo-terrier. Así como otras tantas tramas e incluso algunos arcos argumentales largos, que harán que te pienses dos veces el lanzarte a la piscina, antes de terminar cada historia.

Como todo lo bueno, y ante la falta de ideas constantes y originales de Hollywood, obviamente, iZombie ya ha sido llevada al formato TV. Aún no he tenido tiempo de echarle un ojo y la verdad tampoco me apetece mucho. En televisión probablemente la idea general del cómic se habrá extendido a un formato juvenil humorístico tipo Disney Channel que a gente de cierta edad nos echa para atrás. Aunque ya sabéis que nunca/nunca hay que vender la piel del oso antes de cazarlo. Así que…

Reseña: Star Wars. Tiras del Cómic, de Russ Manning, Alfredo Alcalá y VVAA

En mi vida lectora y gracias a los casi nueve años que llevo ya en Desde New York – Crónicas Literarias como Coordinador, he podido leer y disfrutar de Russ Manning en varias ocasiones. Pero lo que jamás de los jamáses llegué a pensar, es que algún día podría llegar a leer son las tiras de prensa clásica que uno de los dioses del noveno arte hizo para Star Wars junto a otro grande como es/fue el tristemente apenas conocido aquí, el maestro Alfredo Alcalá.

Russell Manning (1929-1981) fue un artista estadounidense de cómics creador de las series Magnus, Robot Fighter, pero igualmente ilustrador y guionista de las tiras de prensa de Tarzán y Star Wars. Fue incluido en el Salón de la Fama del Cómic en 2006. Pero su primer trabajo importante fue el libro de historietas de Tarzán (obras algunas reseñadas en Crónicas Literarias) series que Manning llevó desde 1965 a 1969. Obras en la que durante dicho tiempo, llegó a adaptar diez de las once primeras novelas escritas por Edgar Rice Burroughs. Un auténtica maravilla a conseguir.

Tesoros ilustrados. Auténtica joyas del mundo del cómic como Star Wars Tiras del Cómic de Russ Manning, esta nueva publicación que acaba de editar Planeta Cómic y que yo al menos, no esperaba. Primero de los tres tomos que recopilan las tiras de prensa de Star Wars desde 1979 hasta 1984. Con las que he disfrutado un montón de tramas semanales épicas y completamente nuevas, algunas consideradas grandes guiones de Ciencia Ficción de la época. Un primer tomo que cuenta con nada más y nada menos que seiscientas tiras, desde su estreno el 11 de marzo de 1979 hasta el 5 de octubre de 1980. Para nuestro bien, editoriales españolas como Planeta Cómic siguen creando tendencia casi mes a mes con sus novedades. Trayéndonos magnificas publicaciones que al otro lado del charco produjo la siempre recomendable editorial IDW. Con ideas maravillosas en su haber como producir colecciones de cómics que uno siente el lujo de poseer. Algunas como Star Wars Tiras del Cómic de Russ Manning, que no son otra cosa que un rico tapiz de historias de Star Wars, alegría de tener esto en cualquier colección que se precie.

En Star Wars Tiras del Cómic de Russ Manning se incluyen hasta los encabezados de títulos de los domingos y las viñetas extras en su color original, meticulosamente restaurado. Convirtiendo este primer tomo (de tres) en una auténtica maravilla. Estamos ante una colección más que especial, claramente un trabajo hecho con mucho amor por parte de editores. Presentar un formato perfecto de lectura de tiras publicadas hace casi cuarenta años, en una edición en tapa dura y restaurada; es sin duda una buena noticia. Como os decía, la mayoría del arte viene de la mano de Alfredo Alcalá, tremendo en todas sus facetas. Una obra visualmente maravillosa pese a estar hablando de tiras de prensa: paisajes, diseños, “movimiento” constante, obra que fue publicada originalmente por Los Angeles Times Syndicate, en los años en los que Star Wars comenzaba su apogeo.

Es sorprendente ver como estos primeros trabajos fueron creados cuatro décadas atrás. Los primeros cómics del Universo Expandido original de Star Wars que se labraron en una pizarra en blanco como punto de partida. La invención y creatividad de los planetas, personajes, naves espaciales y escenas de acción; una delicia sorprendentemente rica. Historias cortas algunas, otras que se van enlazando entre sí, una colección que comienza con dos introducciones apasionadas y detalladas de Rich Handley y Henry G. Franke III que explican la historia de los cómics dentro de los diarios, así como carrera y legado de Russ Manning. Incluido un considerable material que por lo visto la edición promocional no tenía.

Star Wars Tiras del Cómic de Russ Manning propone horas de diversión para el verdadero fan de la mejor serie intergaláctica de todos los tiempos. La número uno a nivel general. Horas de lectura en las que acabarás absorto en historias, arte y visionado de primeros materiales de Star Wars, una colección en tapa dura excelente que tengo la sensación que volveré a releer este veranito bajo el calor acechante que aún está por llegar. Pura alegría tener/poseer/revivir estas tiras. El señor Manning mostrando su don.

Reseña: Long John Silver (Integral), de Xavier Dorison y Mathieu Lauffray

Oportunidades que no se pueden dejar pasar. Por fin Norma Editorial ofrece a sus lectores en formato integral una de las series más celebradas de los últimos años dentro del cómic europeo. Una lujosa pero bien asequible edición que además incluye un dossier de casi cincuenta páginas con arte inédito de Mathieu Lauffray e ilustraciones de homenaje de artistas tan ilustres como Alex Alice, Juanjo Guarnido o Ralph Meyer. Como bien dicen, un homenaje en tinta y pluma a la figura más destacada del clásico literario universal como es La Isla del Tesoro, de R. L. Stevenson. Una serie que vio la luz en cuatro geniales álbumes y que ahora llega en una edición única e inmejorable.

Xavier Dorison y Matthieu Lauffray imaginaron la continuación de las aventuras de Long John Silver, el famoso pirata de la famosa novela de Stevenson. Lady Vivian Hastings es el primer álbum. Partiendo de un muy buen diseño: aprendemos algo más de cómo se las gasta Silver. A cambio de un puñado de oro, servirá como guía a Lady Vivian Hastings, una mujer decidida a embarcarse rumbo al Amazonas siguiendo los pasos de su esposo. Una historia de inicio nada épica pero totalmente degustable como introducción a la serie que posteriormente vamos a disfrutar en muchos aspectos. Aunque el dibujo no es por el momento trascendente, en evolución, al tantear visiones bastante impresionantes ya, uno se asusta pensando en lo maravilloso que puede llegar a ser, visualizar este integral al completo.

Neptune es donde de verdad la magia empieza a relucir. Mientras nos dirigimos a la aventura en jungla y mar, Vivian Hastings, su cuñado el capitán Hastings, el Dr. Livesey y Long John Silver, navegan tras la estela de Lord Byron Hastings, con la esperanza de obtener acceso al fabuloso botín que parece haber descubierto el desaparecido en cuestión. Una asociación, o más bien vínculos de mutuo acuerdo, para alcanzar el objetivo. Aunque con pocos vínculos solidarios entre ellos. Las costas amazónica y estadounidense todavía muy lejos, dan paso a ese componente que ponen a los personajes en debate. Silver reconoce que Vivian le ha dado la oportunidad de volver a una búsqueda de esas que tanto ama en su corazón. Independientemente de sus maneras y trucos, ella juega siniestras cartas a favor y en contra. No le importa aprender a derrotarlo. Por otro lado, su cuñado el Capitán, pertenece a esa categoría de aristócratas que desprecian al mundo entero, especialmente a los hombres bajo su rango a los que no duda en maltratar. Por ello, calibra a Silver constantemente, lo prueba, e intenta hacerle cometer un error. Aquí es donde Long John Silver muestra sus habilidades de navegador, esas que parece no tener nadie a bordo. El más débil, el más débil, corre el riesgo de perderlo todo… Neptune es, por lo tanto, el escenario de una presentación de estrategias donde la narrativa de la serie se vuelve terriblemente atractiva.

El Laberinto de Esmeralda es seguramente el mejor de los cuatro volúmenes. Realmente te hace querer saber más y más. Long John Silver y los interesados encuentran por fin el camino a Guyanacapac y se hunden inexorablemente en una selva sofocante reinona de innumerables trampas. El ambiente es magistral: pesado, soporífero y sofocante (como realmente debe ser, ¿no?); donde se llega a un final grandioso, con toque fantástico perfectamente traído, que se agradece. Dibujos, splash-pages y viñetas algunos visualmente impresionantes. Donde en mi opinión esta obra se convierte en indispensable a tener.

Guyanacapac es la obra culmen de Long John Silver Integral. Título donde llega el apoteósico final y donde este emblemático bucanero forja su leyenda nada más y nada menos que desafiando a un dios en su propia guarida. Una confrontación final, oportunidad para que Mathieu Lauffray se rinda a la plenitud de su arte. Una tragedia, una aventura con un final dramático in crescendo, una emoción muy particular recordatoria de sensaciones a cuando uno lee por primera vez una obra universal que le marca para siempre. Os aseguro que, la lucha que libran Moxtechica y Long John, difícilmente se os borrará de la mente.

Xavier Dorison y Mathieu Lauffray firman aquí una obra eterna. El mejor cómic europeo mostrando las virtudes por las que será perseguido siempre. Guión terriblemente atractivo y dibujos que bien pudieran ser lienzos de grandes pintores de otros tiempos.

Absolutamente recomendable.

Reseña: La Balada de Halo Jones, de Alan Moore y Ian Gibson

Es importante (mucho, y no me canso de cantarlo) rescatar los que son considerados por muchos, títulos indispensables de leer en cómic. No sólo los que han llegado a ser tan famosos que hasta el público no comiquero los lee. También otras joyitas que pese a su fama son como diamantes que con el paso del tiempo, el fango se cierne sobre ellos ocultándolos…, hasta que una editorial nuevamente los rescata. La Balada de Halo Jones, una de las primeras obras maestras del dios del noveno arte Alan Moore y que Norma Editorial tiene el detallazo de traer este mes en un volumen integral a todo color. La Balada de Halo Jones fue publicada originalmente en 1984 de forma serializada en la famosa revista inglesa 2000 AD. Dos nuevos autores que empezaban a despuntar como lo eran el guionista Alan Moore y el artista Ian Gibson. En tiempos, por supuesto, en el que muchos pensábamos que el futuro año 2000: gobiernos, sociedad, el día a día, estaríamos gobernados por naves surcando los cielos; llevaríamos trajes de colores llamativos de telas no inventadas, patinetes voladores y coches que circulaban solos. El año 2000 era un mundo de ensueño para los que fuimos niños o grandes lectores en los 80s. La Balada de Halo Jones triunfó entre los que tuvieron oportunidad de leerla entonces. Ofrecía “sueños”. Partía además en una revista donde brillaban joyas como Juez Dredd, Rogue Trooper o Perro de Estroncio, por lo que debía ofrecer originalidad para no caer en el olvido. Destacar, o ser abandonada en galaxias perdidas donde pocos lectores llegan.

Halo Jones es un chica absolutamente normal que vive en El Aro (The Hoop), una gigantesca estructura que flota en el mar, cerca de Manhattan, en pleno siglo L. Los Municipios Aliados de América trasladan a estas estructuras a los llamados «ciudadanos del ocio», pobres y desempleados hacinados en una ciudad claustrofóbica y violenta, en la que hay escasas oportunidades de progresar: el nivel de paro en el Aro es prácticamente del 100% y los ciudadanos del ocio sobreviven gracias a una especie de subsidio mínimo. Bandas y grupos callejeros causan altercados constantes y la escasa policía (formada por delincuentes lobotomizados) mantiene un precario orden gracias a la represión indiscriminada. En este escenario, incluso ir de compras puede ser una aventura peligrosa. Cada individuo busca su propia cápsula de escape: unos tratando de desarrollar un talento como artista (y sobrevivir el tiempo suficiente como para que una gran compañía se fije en ellos), otros evadiéndose de la realidad, como es el caso de «los tambores» humanos que se han implantado un receptor en el cerebro que les transmite música hipnótica, una especie de drogadicción. Halo, cuando una de sus mejores amigas sea asesinada y otra ingresa en Los Tambores, sentirá que ya no aguanta más y emigra. Encuentra trabajo como camarera en un crucero especial llamado Clara Pandy, el principio de sus aventuras por toda la galaxia.

La Balada de Halo Jones lo consigue. Atrapa desde la primera página, con una splash-page a doble página que abre la trama en la que visualizamos una caótica y abarrotada Tierra del siglo 50. Acompañada por una narración llena de jerga en lo que parece ser una retransmisión de noticias, ya estás enganchado a un mundo maravillosamente ideado. Nos lleva a un universo de cientos de detalles en los que es fácil perderse. Personajes individuales, algunos de los cuales solo aparecen brevemente (y en los que te gustaría profundizar), insinuación de vidas enteras y secretos ocultos. Momentos narrados magistralmente como cuando la anciana Brinna recuerda una reunión en su adolescencia o un oficial de seguridad rememorando su amor perdido hace mucho tiempo. Sin lanzar demasiada información, historias que dan trasfondo. Se nos proporciona un mundo convincente lleno de personajes interesantes, pues en realidad, nada aquí es aleatorio, o carece de pensamiento. Los que conocéis las obras de Moore, sabréis que este es uno de sus fuertes. Nada es coincidencia. Aunque aquí el tandem hace tandem completo (valga la redundancia) también en esa virtud. Grandes aportes encontrados en esta balada como los carteles que vamos viendo en la serie que aparecen en un dialecto alienígena, y que son en realidad un lenguaje completamente ideado por Ian Gibson.

La Balada de Halo Jones fue una trama conjunta aunque sin terminar tal como la tenían pensada sus autores. Vuelven a estar disponible estas tres etapas de la vida de Halo Jones reunidas en un solo tomo, por primera vez a todo color, formando una de las publicaciones indispensables a conseguir este año.

Reseña: Nuevas Hazañas Bélicas (Integral), de Hernán Migoya, Keko, Calpurnio, Kim, Bartolomé Seguí, Natacha Bustos, Cels Piñol y VVAA

Espectacular homenaje que se marca el guionista Hernán Migoya para con el mundo del cómic clásico bélico de toda la vida. Los amantes del buen cómic tenemos algo nuevo que devorar con calidad. Vuelven las Hazañas Bélicas pero ahora por fin con protagonistas, escenas y tramas situadas en nuestro propio país. Hechos de nuestra deleznable historia reciente. Nuevas Hazañas Bélicas nos ofrece una serie de viñetas basadas en la Guerra Civil Española; un cómic intenso, lleno de acción y emoción que aporta unas muy sugerentes tramas con personajes más que carismáticos. Cada uno a su modo.

Fue en los años 50 cuando Boixcar desarrolló la popular serie Hazañas Bélicas con la ayuda de grandes artistas. Crearon una serie de historietas que hablaban de personajes, héroes y antihéroes, y lo que les sucedía mientras “hacían vida” dentro de sendas catástrofes como fueron la Segunda Guerra Mundial o la Guerra de Corea. Soldados de ambos bandos protagonistas cada uno a su manera, mostraban carisma, heroicidad o simplemente lo peor de lo peor del ser humano. Como fue o debió ser, nos enseñaban que para cada cual, su lucha es verdadera. Bien, pues Nuevas Hazañas Bélicas nos retrotrae a los amantes del cómic bélico, a aquella mítica colección, aunque algo renovada. Esta vez trasladando la idea a la tierra patria. Por que aquí también hubo sufrimiento, amor, dolor y desesperación durante esos años infernales vividos por nuestros abuelos, padres, hermanos y hermanas. Años en los que el egoísmo y el odio creció hasta cotas altísimas en la tierra de conejos. Tanto que aún llega a nuestros días en ciertos parámetros, más de ochenta años después…, disfrazado de lo que algunos llaman política. A lo que vamos, en definitiva, una genial idea el reconvertir la hazaña del maestro Boixcar al formato español. ¿El culpable?

Hernán Migoya es guionista de cine y cómic y escritor. Una mente inquieta que vive entre Barcelona y Lima (Perú). Fue redactor jefe de la revista El Víbora en los 90 y entre otras muchas cosas ha traducido la obra del gran Peter Bagge para Ediciones La Cúpula. Considerándose “provocador por naturaleza”, Migoya suele atacar los tabúes de las sociedades a base de personajes individualistas, emocionalmente intensos y con humor muy cínico. Un guionista que no deja indiferente, en mi opinión. Por eso, la publicación en formato integral, en tapa dura y tamaño apaisado, de esta colección de relatos que en su día viera la luz en formato pasquín de la mano de la desaparecida Editores de Tebeos (Glénat), es motivo de enhorabuena para los amantes al mejor cómic. Norma Editorial es ahora la encargada de lanzar este tomo-joya que nadie se debería perder pues las historietas, las ilustraciones, muchas, jamás abandonarán vuestra mente.

Nuevas Hazañas Bélicas rinde homenaje al clásico con un enorme elenco de autores que han creado un conjunto de historias cortas indispensables para todo seguidor de cómic. Más de cincuenta años después, los protagonistas son españoles. Tú eliges el bando. O no. Simplemente, disfruta (como puedas) de lo narrado e ilustrado. Con gloriosos relatos cuyos títulos juegan con las palabras de forma hábil. Así visualizaréis genialidades como La Pasión Aria, Con el Moscardó tras la oreja, El Novio de la Muerta, La Guerra de los Inmundos, La Cóndor Pasa, ¡Huida del Planeta de los Tibios! o El Badajo de Badajoz…, entre otros muchos. Así hasta veintidós obritas que en su día comprendieran bien la llamada Serie Roja o Serie Azul, según el bando, obviamente.

Un magnifico tomo ejemplar que Norma Editorial y los diferentes autores presentaran en el pasado Salón del Cómic de Barcelona, y que se puede adquirir ya en tu librería favorita. Relatos escritos en clave pulp dibujados por grandes ilustradores del panorama actual español como Keko, Calpurnio, Kim, Bartolomé Seguí, Natacha Bustos, Cels Piñol y un largo etcétera. Los mejores lápices del país están aquí. Historietas con mucha acción, que nos meten en vereda nada más comenzar. Con tramas mordaces muchas que representan el afán de los españoles por ser lo peor de lo peor. Un pueblo considerado por el canciller prusiano Otto Von Bismarck el más fuerte del mundo, pues tras siglos tratando de autodestruirse (y a pesar de tener los peores políticos que pueda imaginarse), sigue adelante.

Este integral de Nuevas Hazañas Bélicas es mágico en sí. Echadle un ojo a alguna de sus historias y quedaréis prendado. Un reparto de personajes míticos de aquella terrible contienda (Franco, Dolores Ibárruri, Azaña, Durruti, La Pasionaria…), donde héroes de uniforme y de paisano nos ponen en la peores de la situaciones que se pudieron vivir. Autores apuntando muy alto, bastante bien documentados sobre aquellos fatales años. Cada una de estas historias pinchan en el lector una flecha que inyecta un aporte de realidad. Pasada y quedante la sensación que lo que se cuenta llegó a ocurrir. O al menos que estamos leyendo una historia que es muy probable que fuera de boca en boca aquellos días y así verídica fuera de algún modo.

Me encanta.

Reseña: Iron Man. Extremis, de Warren Ellis, Adi Granov, Charles y Daniel Knauff y Zircher

He comentado en más de una ocasión que me enamoré del personaje de Iron Man de niño, pese a que económicamente no podía seguir su colección. Con el paso de los años me di cuenta de dos cosas: se estaban escribiendo entonces las mejores tramas del personaje (El Demonio en una Botella, El Nuevo Iron Man), y también supe una verdad verdadera: yo los disfrutaba más que mi amigo. Y los años pasaron con ese buen sabor de boca de historias de un personaje que nunca coleccioné. Sabemos todos que las nuevas pelis Marvel se empeñaron en hacerlo molón. Y volví. Treinta años después, quise leer sus grandes sagas, lo mejor de lo mejor, sabiendo que había grandes arcos escritos como La Guerra de las Armaduras o esta joyita que os reseño hoy (a la que llego súper tarde) como es Extremis.

Desde una visión más madura, cuantas más historias de Iron Man leo, y cuantas más películas veo, no es ninguna metáfora visualizar a Tony Stark como un individuo perdido. Y eso que por lo general sus historias está bien escritas y rara vez se ve involucrado en ninguna narrativa particularmente compleja. Un atractivo centrado enteramente en el encanto, el carisma, el sarcasmo y el orgullo de un personaje como uno de los científicos o ingenieros más famosos inteligentes y ricos de la ficción. Aunque Warren Ellis casi que obvia bastante este tema en Extremis para crear un atractivo guión. Todo lo que necesitas saber para ponerte con ella (y en los films particulares de Iron Man lo comentan), es que ciertos terroristas “cercanos” han colaborado en un experimento súper secreto para crear a un súper soldado. Uno que esencialmente represente al “hombre del mañana”, y por supuesto, Tony Stark debe detener eso.

Descubrimos que la vida de este hombre crece y deriva a partir de malas decisiones. Aunque en esta ocasión, pareciendo culpable de algún modo: no ha hecho nada. Aunque aparentemente ha desperdiciado su potencial. En dos conversaciones absolutamente fascinantes, el mentor de Tony reprende a Stark por explorar frecuentemente no lo que es, sino lo que podría llegar a ser. Y nunca responde, porque no está seguro de la respuesta. Warren Ellis, guionista top actualmente y por supuesto, con grandes obras en su haber, toma al Hombre de Hierro y hace lo que mejor sabe hacer. Creando con Extremis, un arco argumental de seis números que se incluyó en volumen cuarto del personaje, publicado entre 2005 y 2006 e ilustrado de forma original, con un trazo muy realista de Adi Granov. Del que se necesita algo de tiempo para acostumbrarse, ero que luego te captura y como si de un film se tratara, disfrutas bastante con sus diseños.

Extremis es un guión que redefine el «status quo» del anterior Iron Man. Centrando e incrementando el poder en sus armaduras. Una obra que (como todo cambio que se les haga a los mayormente conservadores fans de todo personaje) recibió bastantes críticas. Aunque muy rápidamente se volvieron positivas y desde entonces es considerada como una de las mejores historias de Iron Man. Un guión basado en la crítica, la sátira en la ciencia y la tecnología más puntera como principales protagonistas del momento actual que se vivía a nivel global a principios del 2000. Un Tony Stark atractivo también como personaje y una trama que atrajo mucha la atención esencialmente por reescribir su origen, actualizándolo para con lo sucedido ahora en Afganistán. Un señor Stark que nunca deja que las cosas se salgan de control…, y es por eso que comienza encontrándose herido por su propio armamento en el conflictivo país afgano.

Extremis es un renacimiento, en toda regla. Ellis nos ofrece la imagen de un Tony Stark perdido, a la deriva y confundido. Stark afirma aquí que su pesadilla es una versión de sí mismo que no pudo ver el futuro, pero Ellis insinúa enérgicamente que su pesadilla no es un miedo abstracto: está sintiendo ese dolor y confusión en este momento. Tony Stark es un diseñador de armas cuyas invenciones se utilizan contra Al Qaeda antes de la primera Guerra del Golfo. Durante una visita de inspección, una de las propias bombas de Stark estalla, incrustando un fragmento de metralla en su pecho, el cual casi lo mata. Luego es capturado por terroristas afganos. Al igual que la historia original de origen del primer personaje, Tony crea una armadura junto con el Dr. Ho Yinsen y escapa de los terroristas, pero Yinsen no sobrevive. Esto lo cambiará todo para siempre…

Como habréis podido comprobar, algunos elementos de Extremis fueron adaptados para la película de 2008, Iron Man. Fuente primaria para Marvel/Disney de toda una serie de films que nos han hecho vibrar en el cine. Una gran historia. Una agenda de vida contada en formato de cómic, una lectura sólida y una de las mejores historias de Iron Man, sin duda. Totalmente de acuerdo.

Reseña: Siete Caballeros (Integral), de Jean Raspail y Jacques Terpant

Y vuelvo a caer en una adaptación literaria en formato cómic. Pero de una novela reciente. Con una idea apocalíptica de las buenas y situada en un entorno poco común: el invierno es duro a finales del siglo XIX y la vida parece haber abandonado la ciudad fortaleza donde reina el heredero margrave. Su Alteza parece muy superada por los últimos acontecimientos. Su país está en declive: trenes detenidos, puertos vacíos, telégrafos cortados, gente huyendo… Un mal desconocido los está devorando. Y la salvación parece venir solo de un puñado de hombres. Siete jinetes nombrados para resolver un enorme dilema como es encontrar un reino, restaurar una vida perdida…

Después de su exitosa serie Piratas con Philippe Bonifay, Jacques Terpant quiso ampliar su paleta de diseños y convenció al novelista Jean Raspail para que confiara en la idea de convertir a sus personajes y su mundo apocalíptico en viñetas. Y debo deciros que Terpant encuentra el tono correcto para instalar el misterio de esta oscura historia en la mente del lector. Su narración, rica en citas tomadas de la novela, mantiene un ritmo adecuado para con la trama. El lector se asienta gradualmente en la incomodidad de lo que parece ser un fin de un mundo anunciado. Y es Ponent Mon quien nos trae esta joyita que me ha sorprendido tanto, en un formato integral ya que originalmente se resolvió en tres álbumes. El margrave heredero, El precio de la sangre y El puente de Sefarea, tres títulos que forman un todo, pero que diseccionaré como siempre sin spoilear demasiado pues la historia lo merece.

Siete Caballeros es de una de esas joyitas que suelo encontrar en mi año lector, que me sorprenden de la nada. El margrave heredero es el primer álbum que establece claramente la escena que engancha. Deja un misterio flotante, que esperas, se explique cuanto antes. Siendo especialmente conscientes de la misión que se les ha confiado, los siete jinetes con caracteres muy marcados, cada uno tiene su propia personalidad y situados en un ambiente muy original; campos nevados, diálogos de calidad, la ciudad medieval, el ambiente y el finito reinado de este heredero Margrave, quien da título al álbum. Se desarrolla en un estado ficticio de la Europa del siglo XIX en la frontera entre eslavos y alemanes. Una catástrofe que ha aniquilado a la civilización. Un buen inicio que pone en situación, un regreso de Terpant por todo lo grande que ilustra y colorea esta historia.

El precio de la sangre es donde se demuestra de verdad que el mundo se apaga. El heredero Margrave lo sabe bien, confinado en su fortaleza, es asaltado por bandas de infieles devorados por el odio. Ha enviado al coronel Pikkendorff y seis jinetes más, en busca de información y de su heredera atrapada en algún lugar. Sometiéndose y dando a estos hombres una última esperanza para el éxito de su misión, una esperanza para vivir, dejando atrás a su príncipe caído, la pequeña tropa se sumerge en un depravado país, evitando en el mejor de los casos las ciudades devastadas y los edificios religiosos profanados. Cruzando el campo con los estigmas de horrores indescriptibles, los siete jinetes más aislados que nunca… En un viaje desesperado. El estado de alerta constante de los miembros de la expedición incomóda te meten en situación de manera brillante.

El puente de Sefarea cuenta como después de cruzar montañas e incluso países, los jinetes descubren la destrucción de los reinos tras más de doscientos años. La tropa de élite margraviana se dirige a las fronteras del Reino buscando la mejor ruta, adoptando un camino que corresponde a los gustos y orígenes de cada uno. Abai propone el gran bosque, visitar al obispo de la abadía de Zurfenberg y es cuando se detienen en St. Gallen, donde se encuentran con un joven Arno Valric, autoproclamado civil y militar mandatario. Tras la anarquía y la destrucción, parece que cierta organización está comenzado de nuevo…, aunque todos sabemos que aquí hay algo que aún no se ha contado.

Una epopeya en un mundo imaginario que nos permite cuestionar nuestro mundo contemporáneo. Qué buena idea tuvo Jacques Terpant en adaptar esta novela de Jean Raspail. Gracias a eso y a Ponent Mon, ahora podemos disfrutar de esta inmersiva historia digna de una gran producción fílmica. Pues Siete Caballeros no deja indiferente, con un dibujo extraordinariamente poderoso, con colores precisos y perfectamente adaptados a un escenario muy bien representado al que tu propia cabeza crea banda sonora. Recomendable total.

Reseña: Conan El Bárbaro. Ómnibus 1, de Roy Thomas, Barry Windsor-Smith y VVAA

Lo llevo diciendo un tiempo, y desde ese tiempo, vamos viendo como se publica uno y otro integral a cual más apetecible. Más que nada porque son títulos que engloban grandes épocas y personajes con los que hemos crecido y disfrutado un montón. De los que obviamente, queremos tenerlo todo-todito-todo de ellos. Grandes etapas además que si bien no caben en un sólo integral se recogen en dos o tres. Series completas en definitiva, que jamás pensamos que volveríamos a tener (después de que nuestras madres hicieran justicia, «limpieza», tras nuestro crecimiento), y que ahora de unos años hasta ahora ciertas editoriales nos vienen repartiendo crema para que volvamos a tener en nuestras cómictecas lo mejor de lo mejor. Como por ejemplo, lo que acaba de hacer Panini Cómics editando el portentoso ómnibus contenedor de los veintiséis primeros números (más un par de Savage Tales) de la primera etapa Marvel en la que Conan El Bárbaro se abría paso en la Casa de las Ideas. Empezando así un nuevo éxito dentro del mundo del noveno arte.

Y es que ayer mismo os lo decía: Roy Thomas (1940) nació con ese don de saber trasladar a un guión de cómic, gloriosos personajes literarios. Combinar historia, ficción y obras imperecederas. Roy Thomas, fue el primero en suceder al ya desaparecido Stan Lee como redactor jefe en Marvel. Fue en 1972. Pero Thomas ya había lanzado al mercado su Conan El Bárbaro, un titulo que aunque empezó con muy pocas ventas, poco a poco empezó a alcanzar éxito con las adaptaciones de historias del pulp original que Thomas introducía. Además venían dibujadas de la mano del Barry Windsor-Smith, un ilustrador británico que se había presentando en las oficinas de Marvel Cómics pidiendo trabajo y al que después de impresionar a Roy Thomas con el encargo de un número para X-Men, se le asignó la tarea de llevar la serie del cimerio. Adaptaciones como Clavos Rojos, La Torre del Elefante o La Hija del Gigante Helado son obras donde Barry Smith demuestró después sus más altas cotas de preciosismo, evolución y originalidad.

Panini Cómics lo hace una vez más. Nos trae rauda una obra-compendio que vio la luz en USA el pasado enero de 2019. Un lugar donde revivir las primeras hazañas de Conan en reinos fantásticos de una época pretérita. Descubrir o ver nuevamente (por que os confieso que tan solo pude tener en su día unos números sueltos de esta colección), como se convierte en ladrón, asesino y sobre todo, en leyenda. En la que es para muchos la mejor mejor saga de la historia de la Espada y Brujería. Sabremos de un nacido directamente en el campo de batalla. En las tierras congeladas de Cimmeria, Conan se abre camino a través de los indómitos reinos de los hyborianos, sin escatimar su ira contra hombre, mujer o mago. Aventuras que se convierten en leyenda y en recuerdos de buenos momentos lectores. La creación icónica de Robert E. Howard llevada a los cuatro colores con un trabajo que estableció nuevos estándares en cuanto a guiones de cómics. Primera hazañas en las que vivir junto a Conan como se aventura desde su tierra natal y va perfeccionando sus habilidades como ladrón y asesino, como os decía, pero también como mercenario, pirata y sobre todo, el gran guerrero que es.

Hace unos meses se dio una enorme primicia: los derechos de Conan regresaban a Marvel después de una larga temporada en Dark Horse. Noticia que causó un gran revuelo por que muchos sabíamos que eso significaba que vendrían grandes nuevas propuestas y sobre todo, “rescates” (que es lo que me mola) del personaje. El primer fruto de esta revivida relación viene en formato ómnibus, este genial tomo que os reseño hoy, una serie completamente remasterizada, con algunas ilustraciones restauradas para que coincidan con la majestuosidad de las ediciones originales. Además de cada episodio, portada, artículos, cada sección editorial de entonces… Una edición fiel al original hasta el más mínimo detalle con multitud de reveladores extras difíciles de encontrar.

Roy Thomas escribió cientos de historias de Conan entre cómic-books a color y revistas en blanco y negro. Creó junto a Barry Smith a la deseable y siempre sensual Red Sonja. En Marvel además, ayudó a crear nuevos personajes como Puño de Hierro, Hermano Vudú o el Motorista Fantasma. También tuvo cierto papel en la sombra en la creación de los nuevos X-Men, esos que sí alcanzaron el éxito. Y fue gracias a él que Marvel compró los derechos para adaptar Star Wars al noveno arte, sin los que, según Jim Shooter, Marvel hubiera tenido que cerrar por culpa de la crisis de principios de los 80s. No obstante, con cantidad de obras en su haber, Roy Thomas pasará a la historia por llevar (con maestría) a Conan El Bárbaro al formato cómic. Toda una serie de historias que amplían la cronología establecida por su creador literario Robert E. Howard. ¿Me vais a decir de verdad que no queréis disfrutar del don de Thomas, totalmente culpable de poner de moda la Espada y Brujería en los cómics?

¡Feliz San Jordi!

Reseña: Jonas Fink (Integral). Una Vida Interrumpida, de Vittorio Giordino

Finales de los 50 es cuando Jonas Fink, un checo de trece años, ve como su padre es arrestado sin motivo aparente. La diferencia es ser un medio burgués cultivado que quizás represente la antítesis del considerado nuevo gobierno comunista checoslovaco. Poco después, la madre de Jonás, ha empezado a sufrir una especie de bullying rural que termina por llevar a la familia a la precariedad. Incluso el mismo Jonás no se libra; sus compañeros de escuela empiezan a alejarse gradualmente de él, sus estudios sin interrumpidos continuamente y esto afectará a su progreso hacia la universidad.

Vittorio Giardino, el autor italiano más importante de las últimas décadas, ha dedicado a esta obra más de veinte años. Y se nota. Se percibe una obra magníficamente labrada, en la que nos lleva desde el costumbrismo hasta la unión de lazos, la esperanza de una revolución que era inevitable para evitar un totalitarismo en un momento histórico para uno de los países del Este de Europa. Una ruptura que cambió la vida de muchos inocentes…, para bien o para mal. Y es ahí donde Giardino con una cruel y realista visión de lo que pudo, y sin duda, ocurrió, nos hace una crítica del régimen de terror que reinaba al otro lado del muro.

Norma Editorial recopila en un portentoso integral los tres álbumes que conformaron la serie-vida de Jonas Fink. La Infancia, La Adolescencia, La Juventud y El Librero de Praga son los diferentes títulos que comprenden el tomo, aunque que duda cabe que es solo una historia en sí. Una magnífica edición integral, una de las cumbres del cómic europeo que por fin he podido leer y que todo aquel que ande interesado en los duros periodos de posguerra, intentos de dictadura y sublevaciones, sin duda, debe leer. Pues como si una buena película de época se tratara -al estilo de la genial La Famiglia, de Ettore Scola-, viajamos a unos años (no muy lejanos) donde la inteligencia intentaba sobreponerse al conservadurismo y la atadura.

Vivimos así el crecimiento de Jonas Fink, y como con diecisiete años se enamora de Tatiana, la hija de un diplomático ruso estacionado en Praga y como dicha relación le traerá unos cuantos quebraderos de cabeza. Sufrimientos y deseos de libertad de una generación que intentaba crecer bajo el yugo, donde sin ser consciente del peligro, Jonas estrecha lazos con un grupo de inconformistas que le llevarán al intenso y luminoso periodo del 68. Una serie de pinturas crueles que comienzan con el verdadero coraje de la madre de Jonas, donde vemos crecer gradualmente al protagonista, una historia hermosa en cuanto a ejemplo de lucha. Totalmente fiel a lo que pudo ser la vida de un intelectual inflexible tras la Cortina de Hierro.

De Jonas Fink: Una Vida Interrumpida recuerdo algo curioso. A un amigo belga que tengo, residente en Toulouse y amante como pocos del cómic europeo, el cual siempre andaba molesto por la espera de la conclusión de este cómic que llegó (agarraos): ¡Veinte años después! El último álbum podrían haberlo titulado LA ESPERA, decía, jajaj… El maestro Giardino fue fiel al realismo y tomó nuevamente el destino de su héroe veinte años después, para contar en El Librero de Praga, lo que ocurrió con ese padre encarcelado por actividad revolucionaria, con el amor juvenil de Jonas, o su idea de marcharse-unirse a la Rusia con la que compartía tantas ideas. Agosto de 1968, Jonas Fink tiene casi treinta años, una librería y una novia. Mientras un viento de libertad ha estado soplando sobre la región comunista desde la última primavera, el pasado del joven resurge con la vuelta de su amor. Y todo cambiará para siempre. Y todos pagarán el precio en diferentes grados.

Una pepita. Una maravilla. Una edición integral para perderte en una historia de las que uno recuerda y la recomienda. Aunque para algunos fans de entonces, la dichosa espera los dejara fríos, a mí sí que me encantado el cierre que Vittorio Giardino da a la historia. Inolvidable. Probablemente mi mejor lectura de cómic europeo de los últimos años.